Das Sammeln von ritueller indigener Kunst

Erfahrene Sammler sprechen davon, dass sie wohl ein gutes Auge haben. Im Wesentlichen bedeutet dies, dass sie die Kunst für die sich interessieren ausgiebig studiert haben. Sie haben Museen, Galerien, Privatsammlungen, Auktionshäuser und verschiedene Kunstmessen besucht, Bücher gelesen und Ausstellungskataloge durchgesehen. Es kann Jahre dauern, bis man die feinen Unterschiede zwischen den verschiedenen ethnografischen Stilen versteht und wirklich erkennt, was ein Werk außergewöhnlich oder einfach nur langweilig macht. Alles in allem ist es jedoch eine sehr interessante Reise, die sich wirklich lohnt.

Schätze vom anderen Ende der Welt

Werfen wir doch zuerst einen Blick darauf, wie und wann diese Stammesartefakte erstmals "entdeckt" wurden. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts begannen europäische Entdecker und Missionare, Forschungsexpeditionen in die entlegensten Regionen Afrikas und Ozeaniens zu unternehmen. Dies war auch der Beginn der kolonialen Ausbeutung der indigenen Völker, die bis zu diesem Zeitpunkt in völliger Isolation von der "Außenwelt" lebten. Ihre rituellen Gesetze, ursprünglichen Künste und Lebensweisen waren seit Generationen, wenn nicht gar Jahrhunderten, etablierte Traditionen. Die von diesen Völkern geschaffenen und verwendeten Artefakte waren wichtige, verehrte Gegenstände. In ihrer Gesellschaften drehte sich Alles um die alte Kunst und die rituelle Lebensweise. Nach dem ersten Kontakt mit den Kolonialherren veränderten sich ihre kulturellen Bräuche jedoch für immer. Die christlichen Missionare ermutigten die Eingeborenen, ihre alten rituellen Bräuche abzulegen, ihre Artefakte zu zerstören und stattdessen die spirituellen und gesellschaftlichen Vorteile anzunehmen, die denjenigen geboten wurden, die eine religiöse Bekehrung akzeptierten. Dies war tatsächlich der Beginn des katastrophalen sozialen Konflikts zwischen diesen Völkern, die weiterhin nebeneinander her lebten, aber in zwei unterschiedliche Gruppen einerseits mit traditioneller und andererseits mit christlicher Kultur gespalten waren.

Unzählige alte Stammesschätze, die schon seit Jahrhunderte existierten, wurden nun einfach ins Feuer geworfen, um die Dorfbewohner von ihrer heidnischen Lebensweise zu "reinigen". Oft wurden sie auch mit den Entdeckern, die durch die Regionen zogen, gegen Waren und billige Schmuckstücke getauscht. Diese ehemals heiligen Gegenstände wurden gegen moderne Wunder wie Metall, Stoffe, Medikamente und Waffen eingetauscht, wodurch die Lebensweise der Ureinwohner weiter korrumpiert und verändert wurde. Nachdem diese Entdecker und Missionare mit Geschichten von Abenteuern und Eroberungen in ihre Heimatländer zurückgekehrt waren, wurden die Kisten mit den einzigartigen indigenen Kunstgegenständen aus den entlegensten Winkeln der Welt in der Regel als "Kuriositäten" an Museen oder Missionsgesellschaften gespendet.  Diese Gegenstände, die vielleicht eine genauere Untersuchung verdient hätten, wurden im Allgemeinen als Dinge von geringem oder gar keinem Wert betrachtet und verstaubten gewöhnlich mehrere hundert Jahre lang in den Kellern ganz Europas – von Portugal bis Deutschland.

Die Wiederentdeckung von Stammes- und indigener Kunst

Machen wir einen Sprung ins Jahr 1978. Nun wurde nämlich eine hawaiianische Götterfigur, die Kapitän James Cook auf seiner dritten Reise (1768-1779) gesammelt hatte, in London beim Auktionshaus Sotheby's für 250.000 Pfund verkauft. Dies war ein astronomischer Preis für ein Werk der "primitiven Kunst" zu einer Zeit, als sechsstellige Summen bedeutenden Gemälden oder klassischeren Kunstformen vorbehalten waren und nicht der Stammeskunst. Mehr als vierzig Jahre später steigt der Wert ritueller Stammeskunst weiter an – wichtige Stücke werden inzwischen für über 10 Millionen Dollar verkauft!

Das Auftauchen der rituellen Kunst der Ureinwohner auf der Weltbühne der Kunst begann 1935 mit der bahnbrechenden Ausstellung "African Negro Art" im Museum of Modern Art in New York. Zum ersten Mal wurde afrikanische Ritualkunst der Kunstsammler-Elite als ein Medium präsentiert, das eine ernsthafte Würdigung in einem Museum verdiente. Diese bis dahin als "Kuriositäten" eingestuften Kunstwerke mit geringem oder gar keinem Wert (und größtenteils hatte man sie außerdem vergessen) begannen in der Welt der Kunstsammler an Bedeutung zu gewinnen. Die Stammes- und indigene Kunst hatte auch einen enormen Einfluss auf die kubistische Kunstbewegung, die 25 Jahre zuvor von Pablo Picasso und George Braque eingeführt worden war. Beide ließen sich von den klaren, kraftvollen, einzigartigen und ausdrucksstarken skulpturalen Linien der rituellen Kunst inspirieren. Zu dieser Zeit eröffneten die Händler William Oldman und Charles Ratton in London bzw. Paris Galerien, die der Stammeskunst gewidmet waren. Sie gaben diesen lange vergessenen indigenen Kunstschätzen ferner Völker ein neues Zuhause unter den weltweit führenden Künstlern und Sammlern.

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Das Sammeln von Stammes- und indigener Kunst

Zwischen den 1940er und 1970er Jahren war die meiste rituelle Kunst äußerst erschwinglich; eine gute Dan-Maske aus dem 19. Jahrhundert konnte im Pariser Viertel St. Germain für 50 Francs erworben werden, ein Fang-Reliquienkopf konnte für 500 Francs verkauft werden und eine Uli aus Neuirland konnte in London 1000 Pfund einbringen. Kluge Sammler wie Helena Rubenstein, eine Größe in der Kosmetikindustrie, und der Bildhauer Jacob Epstein sowie viele andere erkannten den Wert dieser erstaunlichen und wichtigen kulturellen Kunstwerke und bauten damals fantastische Sammlungen auf. Die Kunstwerke dafür hatten sie für kleines Geld erwerben können. Auf dem heutigen Markt wird die rituelle Kunst der Ureinwohner nicht nur nach ihrer künstlerischen Schönheit, ihrem Alter und ihrer Seltenheit beurteilt, sondern auch nach ihrer Provenienz. Die nachvollziehbare Besitzgeschichte eines Objekts verleiht einem Kunstwerk, das sich einst in der Sammlung eines bedeutenden Künstlers, Museums oder Sammlers befand, einen außerordentlichen Wert. Die Preise sind im Laufe der Jahre stetig gestiegen, und heute kann ein seltenes Meisterwerk mit bedeutender Provenienz und von unvergleichlicher Schönheit für 1 bis 10 Millionen Dollar verkauft werden. Und weil die rituellen Künste der Ureinwohner in den letzten Jahren so wertvoll geworden sind, gibt es einen weltweiten Ruf nach Rückgabe dieser kulturellen Schätze an ihre Heimatländer. Die kontroversen Geschichten, die mit diesen Rückführungsanträgen verbunden sind, sind Thema eines anderen ausführlichen Artikels, der sich mit den kolonialen Schandtaten unserer Vorfahren und der Art und Weise befasst, wie wir Probleme, die Jahrhunderte zurückliegen, beheben können. 

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Authentische Stücke

Bleiben also die Fragen: Ist es echt? Ist es eine Imitation? Ist es eine illegale Fälschung? Die Echtheit ist immer noch der wichtigste Aspekt eines Stammeskunstwerks. Sie besagt, dass das Objekt von den indigenen Völkern, die es geschaffen haben, rituell hergestellt und in einer Zeremonie verwendet wurde. Erst das macht es zu einem "authentischen" oder "echten" Stück. Für diese Art von Kunstwerk wird auf dem Markt der höchste Preis erzielt. Ein authentisches Objekt wird nach mehreren wichtigen Gesichtspunkten beurteilt: Schönheit, Alter, Seltenheit, Patinierung und Provenienz. Das alles kann jedoch auch fachmännisch gefälscht werden! Es bedarf eines geschulten Auges, um den Unterschied zu erkennen, und dies ist der Grund, warum die Provenienz in den letzten Jahren für Sammler so wichtig geworden ist. Die bereits erwähnte hawaiianische Götterfigur, die 1978 bei Sotheby's in London für 250.000 Pfund verkauft wurde und der Sammlung von Kapitän James Cook entstammte, ist das, was ozeanische Sammler als "Vorkontaktstück" bezeichnen. Das heißt, sie wurde von der einheimischen Bevölkerung lange vor dem Kontakt mit der „Außenwelt“ hergestellt und auch rituell benutzt (Kapitän Cook war der erste, der die hawaiianischen Inseln entdeckte). Daher kann die Figur als eine der reinsten Formen der rituellen Kunst der Ureinwohner betrachtet werden. Sie stützt sich auf eine seit Generationen bestehende künstlerische Tradition, die schon vor den Einflüssen der westlichen Kultur bestand. Wenn diese Figur heute auf den Markt käme, würde sie sicherlich 10 Millionen Dollar oder sogar mehr einbringen. Sie hat nämlich alles, wonach ein ernsthafter Sammler oder ein Museum sucht: extreme Seltenheit, Schönheit, Alter, Patina und Provenienz.

Aber lassen Sie sich nicht entmutigen, es ist auch heute noch möglich, mit einem relativ bescheidenen Budget eine Sammlung echter indigener Artefakte aufzubauen. Gute, authentische Stammeskunst kann immer noch auf Flohmärkten, in Galerien und bei Online-Auktionen gefunden werden – wenn Sie ein gutes Auge haben und wissen, wonach Sie suchen müssen. Die Chancen stehen gut, dass Sie eine echte Maske oder authentische Figur für ein paar hundert oder tausend Dollar bzw. Euro finden, wenn Sie sich nur auf ein Gebiet und eine Art von Objekt konzentrieren und die feinen Unterschiede im Auge behalten, die den Wert bestimmen. Afrikanische Zettelrollen sind da ein sehr gutes Beispiel. Sie werden in der Regel für 300-3.000 Dollar verkauft, und wenn man sich auf eine Art von Objekt und eine bestimmte Region konzentriert, ist es einfacher, in kürzerer Zeit eine Perspektive zu gewinnen.

Imitationen

Was wird nun als Imitation betrachtet? Es kann sich dabei um die Art von Skulpturen handeln, die in fernen Ländern typischerweise am Straßenrand oder auf Flughäfen als Souvenir verkauft werden. Die meisten Reisenden und Touristen kaufen solche Skulpturen, auch „Flughafenkunst“ genannt, auf ihren Reisen um die Welt. Solche Schnitzereien werden zumeist eilig in Werkstätten mit modernen Werkzeugen und in großem Menge hergestellt. Die Schnitzereien wurden nie rituell verwendet und haben keine kulturelle Bedeutung für die indigenen Völker. Diese Schnitzereien werden normalerweise für weniger als zehn Dollar pro Stück verkauft. Die meisten Handwerksbetriebe auf der ganzen Welt sind seit Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts im Geschäft und bedienen sowohl die Kolonialisten als auch die Touristen.

Betrügerische Fälschungen

Dies ist die gefährlichste Kategorie von allen. Ich kenne persönlich eine Reihe von bedeutenden Stammeskunsthändlern, Sammlern und Museumskuratoren, die auf fachmännisch geschnitzte Fälschungen hereingefallen sind und Tausende oder Zehntausende für wertlose Reproduktionen ausgegeben haben. Diese Kopien werden in der Regel von Schnitzern angefertigt, die Meister ihres Handwerks sind und sich an die traditionellen Stile halten. Außerdem kennen sie die feinen Unterschiede und Nuancen, auf die Sammler und Händler bei einem Kunstwerk achten. Es handelt sich um Schnitzereien, die täuschen sollen. Hier geht es um Betrug. Wenn man nicht schon mehrere ähnliche Fälschungen gesehen hat, ist es ziemlich schwierig, den Unterschied zwischen Original und Fälschung zu erkennen. Auch aufgrund der astronomischen Preise, die für einheimische Stammeskunst heute erzielt werden, kommen immer mehr dieser illegalen Fälschungen auf den Markt. Dies ist wiederum der Grund, warum die Provenienz bei der Bestimmung des Wertes eines wichtigen Stammeskunstwerkes so essentiell geworden ist. Nur sie kann Auskunft über das Sammlungsdatum, den Besitzer und die Veröffentlichungen geben und das Objekt in einen historisch belegten Kontext bringt. Nur so kann im Wesentlichen eine Echtheitsgarantie geboten werden.

Um es zusammenzufassen, der beste Rat, den ich einem neuen Sammler geben kann, bevor er eine Sammlung von indigener Kunst beginnt und nachdem er sein Auge geschult hat, ist, mit Kunstwerken zu bescheidenen Preisen (300-3000 Dollar) aus einer bestimmten Region zu beginnen. So können Sie sich als Sammler mit den einheimischen Stilen, der Patina und der Ästhetik der Objekte vertraut machen. Ob es sich um Zettelrollen, Masken oder Figuren handelt, Sie sollten ein Gefühl für Ihren Geschmack entwickeln und herausfinden, was Ihnen am besten gefällt. Wenn Sie mit der Zeit Ihr Auge für ein wichtigeres Stück geschult haben, denken Sie daran, einen unparteiischen Experten zu Rate zu ziehen, bevor Sie einen ernsthaften Kauf tätigen.  Und noch einmal: Viel Spaß und Freude bei der Suche!

Lassen Sie hier Ihre Kunstwerke der Stammeskunst schätzen!

Patrick Morgan ist Händler von und Experte für Stammeskunst. Seit 2002 lebt er in Paris. Er begann seine Karriere in den späten 1980er Jahren mit dem Sammeln von Textilien und Stammeskunst im Goldenen Dreieck von Thailand, Laos und Burma. 1992 unternahm er mehrere Reisen pro Jahr, ausschließlich nach Mali, um Textilien und rituelle Kunst der Dogon-, Senufo- und Bambara-Kulturen zu erwerben. Seit 1998 stellt er diese Funde zusätzlich zu Stücken aus bedeutenden amerikanischen Sammlungen auf den großen US-Messen für Tribal Art in San Francisco, Santa Fe und New York sowie auf den europäischen Messen in Paris und Berlin aus. Er hat für mehrere europäische Auktionshäuser als Berater und Experte gearbeitet.